Bernard Dutilleul – Artiste peintre – Mantoche

La peinture est un moyen d’expression qui se suffit à lui-même, un langage propre qui se substitue à la parole. Pour apprécier la peinture comme je l’entends il faut se sensibiliser à sa grammaire. Le dessin arrive avant l’écriture, c’est un média entre la pensée et le monde, une façon de se l’approprier en envisageant la créativité. La peinture aujourd’hui, telle que je la conçois, n’a pas de message. Elle n’a rien d’autre que sa plastique qui est le chemin des sentiments. C‘est un vecteur. Je revendique l’absence de message, car je me veux libéré de tout extérieur, de toute implication sociale, politique pour ne m’intéresser qu’à l’image de la peinture en devenir. Le réel ne suffit pas, j’ai besoin de travailler avec ce moyen d’expression qui me vient de je ne sais où, car rien dans ma famille ne me conduisait vers ces territoires. Le déclic a sans doute eu lieu, mais il m’échappe aujourd’hui, une rencontre fortuite sans doute, une boite de peinture à l’huile offerte par une personne avisée probablement. Plus je rajoute de la couleur, plus je travaille la toile, la pâte, plus je descends en moi dans un espace inexploré que je tente de m’approprier, sans oser le comprendre, de peur qu’il ne disparaisse, j’y suis bien. L’abstraction, permet à la fois l’interprétation personnelle de chacun et ce degré intime de communication entre celui qui fait, celui qui aime, celui qui n’aime pas, celui qui réagit. L’inconscient s’immisce… Aller en soi, chercher l’archaïsme, c’est faire un pas vers l’autre, plus nous allons en nous même, plus nous approchons l’universel. Je voudrais qu’on regarde mes peintures comme on écoute de la musique, comme un langage qui n’explique rien d’autre que lui-même, la résonnance des couleurs, le timbre, les vibrations, entre le message et l’évocation, entre la tête et le cœur. Il m’importe de laisser la peinture dans le domaine qui est le sien, une sorte de flou artistique, un niveau de communication qui ouvre des possibles interprétations ou des éprouvés variables. Entendre ce que l’on veut bien entendre et voir ce que l’on veut bien voir. Quand je la pose, la peinture, je la respire comme on peut le faire lorsque la nature nous envahie et nous transporte dans quelque chose de spirituel, quelque chose qui nous dépasse, où le sentiment d’être vivant nous comble. Cette démarche est un voyage. Je ne sais pas où je vais, mais c’est au fur et à mesure que la toile se charge que j’avance vers l’équilibre, ou le déséquilibre assumé, parfois malheureux. Dans ce cas, il faut changer de direction, remonter la pente, tourner à droite, à gauche…, mais j’avance en cherchant le sens caché des évènements picturaux et comment ils réagissent les uns envers les autres, comment ils se répondent, comment ils s’aiment ou s’affrontent. C’est parfois très dur, parfois jubilatoire. Ce sont des allusions picturales, des notes de musique colorées, des "non représentations" que j’aimerais signifiantes pour tout le monde, car au-delà du discours…. Pas d’analyse, du ressenti, comme respirer le vent, sentir la chaleur du soleil, l’odeur des sous-bois, toucher une écorce, entendre le chant d’un oiseau. Toutes ces choses qui ne veulent rien dire d’autre que l’on est vivant et que c’est magnifique. Un moment vital, transcendant où je respire mieux, où je suis irrigué. Une forme de méditation. Il faut s’imaginer la toile blanche au démarrage. Comme il n’y a pas de sujet, le travail commence par un fond acrylique qui détermine des mouvements, des taches, une couleur de fond. Parfois je me fais violence en utilisant des couleurs que je n’aime pas trop…comme un jeu avec moi-même. J’avance, je rajoute je modifie, j’éclaircie, je fonce, je retourne, j’oublie la toile des jours, des mois, insatisfait de ce résultat provisoire, attendant le moment où je vais dire stop, celui-là est terminé. L’épreuve du mur conforte l’idée. Je sais à ce moment que l’équilibre y est, la cohérence et que c’est conforme à ma sensibilité du moment. Il faut lâcher prise, lâcher le domaine du compréhensible pour aller vers le sensitif, l’émotion. Dans la peinture je deviens une personne autonomes, libre, détachée du réel, protégée des vicissitudes du monde, c’est une autre dimension, source de création, capable de contemplations, de fécondité, avec peut être une dimension métaphysique, une recherche d’équilibre et de plénitude, d’exacerbation des sens. La peinture est une disposition du regard. Se libérer du sens, n’être que dans le ressenti plastique, ne pas être dans l’illustration mais dans l’abstrait qui est le principe même de la création. Faire quelque chose qui n’existe pas avant. La musique de la poésie est parfois plus belle que le propos lui-même. L’unique convocation de l’intelligence conceptuelle ne saurait suffire à créer de l’émotion. La poésie, c’est l’évocation sensible d’un rapport au monde, à soi, aux autres, dans les replis secrets des émotions. La création qui part de la perception immatérielle de la réalité humaine, prendra corps pour s’incarner et devenir un de ses éléments solide. Les allers-retours entre le fond et la forme, au motif de la recherche et de l’honnêteté intrinsèque, c’est la magie de la création. « L’artiste fait remonter à la surface, l’être de chaque présence. L’œuvre accomplie est, dès lors, comme un être vivant. L’expérience de l’évidence et du mystère tout à la fois, l’art transfigure l’extérieur en intérieur. L’art est une limite du monde où le verbe se tait et s’ouvre à la vision intérieure. La limite de l’artiste c’est la matière » L’artiste fait remonter à la surface, l’être de chaque présence ; l’œuvre accomplie est dès lors comme un être vivant. L’unité est dans l’être vivant qui tient, tout ensemble, telle est l’œuvre d’art, l’œuvre est animée par un esprit. L’expérience de l’évidence et du mystère tout à la fois, l’art transfigure l’extérieur en l’intérieur ». (Jean BRUN, qu’est-ce que la beauté).

Painting is a self-sufficient means of expression, a language of its own that replaces the spoken word. To appreciate painting as I understand it, you have to be aware of its grammar. Drawing comes before writing, it's a medium between thought and the world, a way of appropriating it through creativity. Painting today, as I see it, has no message. It has nothing other than its plasticity, which is the pathway to feelings. It's a vehicle. I assert the absence of a message, because I want to be free of any exterior, any social or political involvement, to be interested only in the image of painting in the making. Reality isn't enough, I need to work with this means of expression that comes to me from who knows where, because nothing in my family led me towards these territories. The trigger was probably there, but it escapes me today, a chance encounter no doubt, a box of oil paint offered by a wise person probably. The more colour I add, the more I work the canvas, the more I descend into an unexplored space that I'm trying to make my own, without daring to understand it, for fear it will disappear. Abstraction allows for each person's personal interpretation and this intimate degree of communication between the doer, the lover, the disliker and the reactor. The unconscious intrudes… The more we go within ourselves, the closer we come to the universal. I would like people to look at my paintings as they would listen to music, as a language that explains nothing other than itself, the resonance of the colours, the timbre, the vibrations, between the message and the evocation, between the head and the heart. It's important to me to leave painting in its own domain, a kind of artistic vagueness, a level of communication that opens up possible interpretations or variable experiences. Hearing what you want to hear and seeing what you want to see. When I paint, I breathe it in, as we can do when nature invades us and transports us into something spiritual, something beyond us, where the feeling of being alive fills us. This approach is a journey. I don't know where I'm going, but it's as the canvas takes shape that I move towards balance, or an assumed imbalance, which is sometimes unfortunate. In this case, I have to change direction, go back up the slope, turn right, turn left…, but I go forward looking for the hidden meaning of the pictorial events and how they react to each other, how they respond to each other, how they love each other or clash. It's sometimes very hard, sometimes jubilant. They are pictorial allusions, colourful musical notes, "non-representations" that I would like to be meaningful to everyone, because beyond the discourse…. No analysis, just feeling, like breathing in the wind, feeling the warmth of the sun, smelling the undergrowth, touching a piece of bark, hearing a bird sing. All these things that mean nothing other than that you're alive and that it's magnificent. It's a vital, transcendent moment when I can breathe more easily, when I'm irrigated. A form of meditation. You have to imagine the blank canvas at the start. As there is no subject, the work begins with an acrylic background that determines movements, spots and a background colour. Sometimes I go to great lengths to use colours I don't really like… like a game with myself. I move forward, I add, I modify, I lighten, I darken, I turn, I forget the canvas for days, for months, dissatisfied with this provisional result, waiting for the moment when I say stop, this one is finished. The test on the wall confirms the idea. I know at that moment that the balance is there, the coherence and that it's in keeping with my sensibility at the time. You have to let go, let go of the realm of the comprehensible to move towards the sensory, the emotional. In painting I become an autonomous person, free, detached from reality, protected from the vicissitudes of the world, it's another dimension, a source of creation, capable of contemplation, of fertility, with perhaps a metaphysical dimension, a search for balance and plenitude, an exacerbation of the senses. Painting is a way of looking at things. To free ourselves from meaning, to be solely in the plastic experience, not in illustration but in the abstract, which is the very principle of creation. Doing something that didn't exist before. The music of poetry is sometimes more beautiful than the words themselves. The mere summoning of conceptual intelligence is not enough to create emotion. Poetry is the sensitive evocation of a relationship with the world, with oneself, with others, in the secret recesses of the emotions. Creation, which starts from the immaterial perception of human reality, takes shape and becomes one of its solid elements. The back-and-forth between content and form, based on research and intrinsic honesty, is the magic of creation. "The artist brings to the surface the being of each presence. The finished work is, from then on, like a living being. An experience of evidence and mystery all at once, art transforms the exterior into the interior. Art is the limit of the world, where the word falls silent and opens up to inner vision. The artist's limit is matter: "The artist brings to the surface the being of each presence; the finished work is therefore like a living being. The unity is in the living being that holds everything together, such is the work of art, the work is animated by a spirit. The experience of evidence and mystery at the same time, art transfigures the exterior into the interior. (Jean Brun, Qu'est-ce que la beauté).

Die Malerei ist ein Ausdrucksmittel, das sich selbst genügt, eine eigene Sprache, die an die Stelle des gesprochenen Wortes tritt. Um die Malerei so zu genießen, wie ich sie verstehe, muss man sich für ihre Grammatik sensibilisieren. Das Zeichnen kommt vor dem Schreiben, es ist ein Medium zwischen dem Denken und der Welt, eine Art, sich diese anzueignen, indem man die Kreativität in Betracht zieht. Die Malerei heute, so wie ich sie verstehe, hat keine Botschaft. Sie hat nichts anderes als ihre Plastik, die der Weg der Gefühle ist. Sie ist ein Vektor. Ich beanspruche die Abwesenheit einer Botschaft, weil ich mich von allem Äußeren, von jeder sozialen und politischen Beteiligung befreien will, um mich nur für das Bild der Malerei im Werden zu interessieren. Die Realität reicht nicht aus, ich muss mit diesem Ausdrucksmittel arbeiten, das mir von irgendwoher kommt, denn nichts in meiner Familie hat mich in diese Gebiete geführt. Der Auslöser war zweifellos eine Zufallsbegegnung, wahrscheinlich eine Dose Ölfarbe, die mir von einer klugen Person geschenkt wurde. Je mehr Farbe ich hinzufüge, je mehr ich die Leinwand und den Teig bearbeite, desto tiefer steige ich in mir selbst in einen unerforschten Raum hinab, den ich mir anzueignen versuche, ohne zu wagen, ihn zu verstehen, aus Angst, er könnte verschwinden, ich fühle mich dort wohl. Die Abstraktion ermöglicht sowohl die persönliche Interpretation jedes Einzelnen als auch diesen intimen Grad der Kommunikation zwischen dem, der etwas tut, dem, der es liebt, dem, der es nicht liebt, dem, der darauf reagiert. Das Unbewusste mischt sich ein… In sich selbst zu gehen, das Archaische zu suchen, bedeutet, einen Schritt auf den anderen zuzugehen. Je mehr wir in uns selbst gehen, desto mehr nähern wir uns dem Universellen. Ich möchte, dass man meine Bilder betrachtet, wie man Musik hört, wie eine Sprache, die nichts anderes als sich selbst erklärt, die Resonanz der Farben, die Klangfarbe, die Vibrationen, zwischen Botschaft und Evokation, zwischen Kopf und Herz. Es ist mir wichtig, die Malerei in ihrem eigenen Bereich zu belassen, einer Art künstlerischer Unschärfe, einer Kommunikationsebene, die mögliche Interpretationen oder variable Bewährungen eröffnet. Zu hören, was man hören will, und zu sehen, was man sehen will. Wenn ich das Bild hinlege, atme ich es ein, so wie man es tun kann, wenn die Natur einen überwältigt und in etwas Spirituelles versetzt, etwas, das über uns hinausgeht, wo das Gefühl, am Leben zu sein, uns erfüllt. Dieser Prozess ist wie eine Reise. Ich weiß nicht, wohin ich gehe, aber in dem Maße, wie sich die Leinwand auflädt, bewege ich mich auf das Gleichgewicht zu oder auf das angenommene, manchmal unglückliche Ungleichgewicht. In diesem Fall muss man die Richtung ändern, den Hang hinaufgehen, nach rechts oder links abbiegen…, aber ich komme voran, indem ich nach dem verborgenen Sinn der bildlichen Ereignisse suche und wie sie aufeinander reagieren, wie sie einander antworten, wie sie sich lieben oder sich bekämpfen. Das ist manchmal sehr hart, manchmal jubelnd. Es sind bildliche Anspielungen, bunte Musiknoten, "Nicht-Darstellungen", die ich für alle bedeutsam machen möchte, denn jenseits des Diskurses…. Keine Analyse, Fühlen, wie den Wind atmen, die Wärme der Sonne spüren, den Geruch des Unterholzes riechen, eine Rinde berühren, den Gesang eines Vogels hören. All diese Dinge, die nichts anderes bedeuten, als dass man lebt und dass es wunderschön ist. Ein vitaler, transzendenter Moment, in dem ich besser atmen kann, in dem ich durchblutet werde. Eine Form der Meditation. Man muss sich die weiße Leinwand beim Start vorstellen. Da es kein Thema gibt, beginnt die Arbeit mit einem Acrylhintergrund, der Bewegungen, Flecken und eine Grundfarbe bestimmt. Manchmal tue ich mir selbst Gewalt an, indem ich Farben verwende, die ich nicht so sehr mag … wie ein Spiel mit mir selbst. Ich gehe voran, ich füge hinzu, ich ändere, ich helle auf, ich verdunkle, ich drehe um, ich vergesse die Leinwand Tage, Monate lang, unzufrieden mit diesem vorläufigen Ergebnis, warte auf den Moment, in dem ich Stopp sage, dieses ist fertig. Der Test an der Wand bestärkt die Idee. In diesem Moment weiß ich, dass das Gleichgewicht da ist, die Kohärenz und dass es meinem momentanen Empfinden entspricht. Man muss loslassen, den Bereich des Verständlichen verlassen, um sich dem Sinnlichen, dem Gefühl zuzuwenden. In der Malerei werde ich zu einer autonomen, freien Person, losgelöst von der Realität, geschützt vor den Wechselfällen der Welt, es ist eine andere Dimension, Quelle der Schöpfung, fähig zur Kontemplation, zur Fruchtbarkeit, vielleicht mit einer metaphysischen Dimension, einer Suche nach Gleichgewicht und Fülle, einer Verschärfung der Sinne. Die Malerei ist eine Disposition des Blicks. Sich von der Bedeutung befreien, nur im plastischen Empfinden sein, nicht in der Illustration, sondern im Abstrakten sein, das das eigentliche Prinzip der Schöpfung ist. Etwas tun, das es vorher nicht gab. Die Musik der Poesie ist manchmal schöner als die Aussage selbst. Die alleinige Anrufung der begrifflichen Intelligenz kann nicht ausreichen, um Emotionen zu erzeugen. Poesie ist die sensible Beschwörung einer Beziehung zur Welt, zu sich selbst, zu anderen, in den geheimen Falten der Emotionen. Die Schöpfung, die von der immateriellen Wahrnehmung der menschlichen Realität ausgeht, wird Körper annehmen, um sich zu verkörpern und eines ihrer festen Elemente zu werden. Das Hin und Her zwischen Inhalt und Form, aus dem Motiv der Suche und der innewohnenden Ehrlichkeit heraus, ist die Magie der Schöpfung. "Der Künstler bringt das Wesen jeder Präsenz an die Oberfläche. Das vollendete Werk ist daher wie ein lebendiges Wesen. Kunst ist eine Erfahrung der Evidenz und des Mysteriums zugleich und verwandelt das Äußere in ein Inneres. Kunst ist eine Grenze der Welt, an der das Wort schweigt und sich für die innere Vision öffnet. Die Grenze des Künstlers ist die Materie. "Der Künstler bringt das Wesen jeder Präsenz an die Oberfläche; das vollendete Werk ist von da an wie ein lebendiges Wesen. Die Einheit liegt in dem Lebewesen, das alles zusammenhält, das ist das Kunstwerk, das Werk wird von einem Geist beseelt. Die Erfahrung der Evidenz und des Mysteriums zugleich, die Kunst verklärt das Äußere in das Innere". (Jean BRUN, Was ist Schönheit).

Schilderkunst is een zelfstandig expressiemiddel, een eigen taal die het gesproken woord vervangt. Om schilderkunst te waarderen zoals ik het begrijp, moet je je bewust zijn van de grammatica ervan. Tekenen komt voor het schrijven, het is een medium tussen het denken en de wereld, een manier om die wereld toe te eigenen door middel van creativiteit. Zoals ik het vandaag de dag zie, heeft schilderkunst geen boodschap. Het heeft niets anders dan zijn plasticiteit, die de weg is naar gevoelens. Het is een voertuig. Ik beweer de afwezigheid van een boodschap, omdat ik vrij wil zijn van elke buitenkant, elke sociale of politieke betrokkenheid, zodat ik alleen geïnteresseerd ben in het beeld van het schilderij in wording. De realiteit is niet genoeg, ik moet werken met dit expressiemiddel dat van wie weet waar naar me toekomt, want niets in mijn familie heeft me naar deze gebieden geleid. Het moet een toevallige ontmoeting zijn geweest, een doos olieverf die ik kreeg van een bekende. Hoe meer kleur ik toevoeg, hoe meer ik het doek bewerk, hoe meer ik in mezelf afdaal in een onontgonnen ruimte die ik me eigen probeer te maken, zonder het te durven begrijpen, uit angst dat het zal verdwijnen. Abstractie biedt ruimte voor ieders persoonlijke interpretatie en deze intieme mate van communicatie tussen de doener, de liefhebber, de afker en de reactor. Het onbewuste dringt binnen? Hoe meer we in onszelf kruipen, hoe dichter we bij het universele komen. Ik zou graag willen dat mensen naar mijn schilderijen kijken zoals ze naar muziek zouden luisteren, als een taal die niets anders verklaart dan zichzelf, de resonantie van de kleuren, het timbre, de vibraties, tussen de boodschap en de evocatie, tussen het hoofd en het hart. Voor mij is het belangrijk om het schilderen in zijn eigen domein te laten, een soort artistieke vaagheid, een communicatieniveau dat mogelijke interpretaties of variabele ervaringen mogelijk maakt. Horen wat je wilt horen en zien wat je wilt zien. Als ik schilder, adem ik het in, zoals we dat kunnen doen als de natuur ons overvalt en ons meevoert naar iets spiritueels, iets dat ons overstijgt, waar het gevoel van leven ons vervult. Deze benadering is een reis. Ik weet niet waar ik naartoe ga, maar terwijl het doek vorm krijgt, beweeg ik me in de richting van evenwicht, of een veronderstelde onbalans, wat soms ongelukkig is. In dit geval moet ik van richting veranderen, terug de helling opgaan, rechtsaf slaan, linksaf slaan, etc., maar ik ga vooruit op zoek naar de verborgen betekenis van de picturale gebeurtenissen en hoe ze op elkaar reageren, hoe ze van elkaar houden of botsen. Het is soms heel moeilijk, soms jubelend. Het zijn picturale toespelingen, kleurrijke muzieknoten, 'non-representaties' waarvan ik wil dat ze betekenisvol zijn voor iedereen, omdat ze verder gaan dan het discours… Geen analyse, gewoon voelen, zoals de wind ademen, de warmte van de zon voelen, het kreupelhout ruiken, een stuk boomschors aanraken, een vogel horen zingen. Al deze dingen die niets anders betekenen dan dat je leeft en dat het prachtig is. Het is een vitaal, transcendent moment waarop ik gemakkelijker kan ademen, waarop ik bevloeid ben. Een vorm van meditatie. Je moet je voorstellen dat je aan het begin een leeg canvas hebt. Omdat er geen onderwerp is, begint het werk met een acrylachtergrond die bewegingen, vlekken en een achtergrondkleur bepaalt. Soms ga ik heel ver om kleuren te gebruiken die ik eigenlijk niet mooi vind, een soort spelletje met mezelf. Ik ga verder, voeg toe, verander, maak lichter, donkerder, draai om, vergeet het doek dagenlang, maandenlang, ontevreden met dit voorlopige resultaat, wachtend op het moment dat ik zeg stop, deze is af. De test aan de muur bevestigt het idee. Op dat moment weet ik dat de balans er is, de samenhang en dat het aansluit bij mijn gevoeligheid van dat moment. Je moet loslaten, het rijk van het begrijpelijke verlaten om naar het zintuiglijke, het emotionele te gaan. Door te schilderen word ik een autonoom persoon, vrij, los van de werkelijkheid, beschermd tegen de wisselvalligheden van de wereld. Het is een andere dimensie, een bron van creatie, in staat tot contemplatie, tot vruchtbaarheid, met misschien een metafysische dimensie, een zoektocht naar evenwicht en volheid, een prikkeling van de zintuigen. Schilderen is een manier om naar dingen te kijken. Om onszelf te bevrijden van betekenis, om alleen in de plastische ervaring te zijn, niet in illustratie maar in het abstracte, wat juist het principe van creatie is. Iets doen wat daarvoor niet bestond. De muziek van poëzie is soms mooier dan de woorden zelf. Het louter oproepen van conceptuele intelligentie is niet genoeg om emotie te creëren. Poëzie is de gevoelige evocatie van een relatie met de wereld, met jezelf, met anderen, in de geheime krochten van de emoties. De creatie, die vertrekt vanuit de immateriële perceptie van de menselijke werkelijkheid, krijgt vorm en wordt een van de vaste elementen ervan. Het heen en weer gaan tussen inhoud en vorm, gebaseerd op onderzoek en intrinsieke eerlijkheid, is de magie van creatie. "De kunstenaar brengt het wezen van elke aanwezigheid aan de oppervlakte. Het afgewerkte werk is dan als een levend wezen. De ervaring van bewijs en mysterie tegelijk, kunst transformeert het uiterlijke in het innerlijke. Kunst is een grens van de wereld waar het woord zwijgt en zich opent voor innerlijke visie. De grens van de kunstenaar is materie: "De kunstenaar brengt het wezen van elke aanwezigheid aan de oppervlakte; het voltooide werk is dan als een levend wezen. De eenheid zit in het levende wezen dat alles samenhoudt, zo is het kunstwerk, het werk wordt bezield door een geest. De ervaring van bewijs en mysterie tegelijk, kunst verandert het uiterlijke in het innerlijke". (Jean Brun, Qu?est-ce que la beauté).

La pintura es un medio de expresión autosuficiente, un lenguaje propio que sustituye a la palabra hablada. Para apreciar la pintura tal y como yo la entiendo, hay que ser consciente de su gramática. El dibujo es anterior a la escritura, es un medio entre el pensamiento y el mundo, una forma de apropiarse de él a través de la creatividad. La pintura actual, tal y como yo la veo, no tiene mensaje. No tiene nada más que su plasticidad, que es el camino hacia los sentimientos. Es un vehículo. Afirmo la ausencia de mensaje, porque quiero liberarme de todo exterior, de toda implicación social o política, de modo que sólo me interese la imagen de la pintura en ciernes. La realidad no basta, necesito trabajar con este medio de expresión que me viene de quién sabe dónde, porque nada en mi familia me condujo hacia estos territorios. Debió de ser un encuentro fortuito, una caja de óleos que me regaló alguien que sabía. Cuanto más color añado, cuanto más trabajo el lienzo, más desciendo dentro de mí a un espacio inexplorado que intento hacer mío, sin atreverme a comprenderlo, por miedo a que desaparezca. La abstracción permite la interpretación personal de cada uno y ese grado íntimo de comunicación entre el que hace, el que ama, el que rechaza y el que reacciona. El inconsciente se inmiscuye? Cuanto más nos adentramos en nosotros mismos, más nos acercamos a lo universal. Me gustaría que la gente mirara mis cuadros como escucharía música, como un lenguaje que no explica nada más que a sí mismo, la resonancia de los colores, el timbre, las vibraciones, entre el mensaje y la evocación, entre la cabeza y el corazón. Para mí es importante dejar la pintura en su propio terreno, una especie de vaguedad artística, un nivel de comunicación que abre posibles interpretaciones o experiencias variables. Oír lo que se quiere oír y ver lo que se quiere ver. Cuando pinto, respiro, como podemos hacer cuando la naturaleza nos invade y nos transporta a algo espiritual, algo más allá de nosotros, donde la sensación de estar vivos nos llena. Este enfoque es un viaje. No sé adónde voy, pero a medida que el lienzo va tomando forma, avanzo hacia el equilibrio, o hacia un supuesto desequilibrio, que a veces es desafortunado. En este caso, tengo que cambiar de dirección, volver a subir la cuesta, girar a la derecha, a la izquierda, etc., pero avanzo buscando el significado oculto de los acontecimientos pictóricos y cómo reaccionan entre sí, cómo se responden, cómo se quieren o chocan. A veces es muy duro, a veces jubiloso. Son alusiones pictóricas, notas musicales de colores, "no representaciones" que me gustaría que tuvieran sentido para todos, porque van más allá del discurso… Nada de análisis, sólo sensaciones, como respirar el viento, sentir el calor del sol, oler la maleza, tocar un trozo de corteza, oír el canto de un pájaro. Todas estas cosas que no significan nada más que estás vivo y que es magnífico. Es un momento vital, trascendente, en el que puedo respirar con más facilidad, en el que estoy irrigado. Una forma de meditación. Hay que imaginarse el lienzo en blanco al principio. Como no hay tema, la obra comienza con un fondo acrílico que determina movimientos, manchas y un color de fondo. A veces me empeño en utilizar colores que realmente no me gustan… como un juego conmigo mismo. Avanzo, añado, modifico, aclaro, oscurezco, doy vueltas, me olvido del lienzo durante días, meses enteros, insatisfecho con este resultado provisional, esperando el momento en que diga basta, éste está terminado. La prueba en la pared confirmó la idea. En ese momento sé que existe el equilibrio, la coherencia y que está en consonancia con mi sensibilidad del momento. Hay que soltarse, salir del ámbito de lo comprensible para ir hacia lo sensorial, lo emocional. En la pintura me convierto en una persona autónoma, libre, desligada de la realidad, protegida de las vicisitudes del mundo. Es otra dimensión, una fuente de creación, capaz de contemplación, de fecundidad, con una dimensión quizá metafísica, una búsqueda de equilibrio y plenitud, una exacerbación de los sentidos. La pintura es una forma de ver las cosas. Liberarse del sentido, estar únicamente en la experiencia plástica, no en la ilustración sino en lo abstracto, que es el principio mismo de la creación. Hacer algo que antes no existía. La música de la poesía es a veces más bella que las propias palabras. La mera invocación de la inteligencia conceptual no basta para crear emoción. La poesía es la evocación sensible de una relación con el mundo, con uno mismo, con los demás, en los recovecos secretos de las emociones. La creación, que parte de la percepción inmaterial de la realidad humana, toma forma y se convierte en uno de sus elementos sólidos. El vaivén entre contenido y forma, basado en la investigación y la honestidad intrínseca, es la magia de la creación. "El artista saca a la superficie el ser de cada presencia. La obra terminada es entonces como un ser vivo. Experiencia de evidencia y misterio a la vez, el arte transforma lo exterior en interior. El arte es un límite del mundo donde la palabra calla y se abre a la visión interior. El límite del artista es la materia: "El artista saca a la superficie el ser de cada presencia; la obra acabada es entonces como un ser vivo. La unidad está en el ser vivo que lo mantiene todo unido, así es la obra de arte, la obra está animada por un espíritu. Experiencia de la evidencia y del misterio a la vez, el arte transfigura el exterior en interior". (Jean Brun, Qu?est-ce que la beauté).

La pittura è un mezzo di espressione autosufficiente, un linguaggio proprio che sostituisce la parola. Per apprezzare la pittura come la intendo io, bisogna essere consapevoli della sua grammatica. Il disegno viene prima della scrittura, è un mezzo tra il pensiero e il mondo, un modo per appropriarsene attraverso la creatività. La pittura di oggi, per come la vedo io, non ha un messaggio. Non ha altro che la sua plasticità, che è la via dei sentimenti. È un veicolo. Affermo l'assenza di un messaggio, perché voglio essere libero da ogni esteriorità, da ogni coinvolgimento sociale o politico, in modo da interessarmi solo all'immagine della pittura nel suo farsi. La realtà non basta, ho bisogno di lavorare con questo mezzo espressivo che mi arriva da chissà dove, perché niente nella mia famiglia mi ha portato verso questi territori. Deve essere stato un incontro casuale, una scatola di colori a olio regalatami da qualcuno che ne sa qualcosa. Più aggiungo colore, più lavoro la tela, più scendo dentro di me in uno spazio inesplorato che cerco di fare mio, senza osare capirlo, per paura che scompaia. L'astrazione permette l'interpretazione personale di ciascuno e questo intimo grado di comunicazione tra chi fa, chi ama, chi non ama e chi reagisce. L'inconscio si intromette? Più entriamo in noi stessi, più ci avviciniamo all'universale. Vorrei che la gente guardasse i miei quadri come si ascolta la musica, come un linguaggio che non spiega altro che se stesso, la risonanza dei colori, il timbro, le vibrazioni, tra il messaggio e l'evocazione, tra la testa e il cuore. Per me è importante lasciare la pittura nel suo dominio, una sorta di vaghezza artistica, un livello di comunicazione che apre a possibili interpretazioni o esperienze variabili. Sentire ciò che si vuole sentire e vedere ciò che si vuole vedere. Quando dipingo, lo respiro, come si fa quando la natura ci invade e ci trasporta in qualcosa di spirituale, qualcosa al di là di noi, dove la sensazione di essere vivi ci riempie. Questo approccio è un viaggio. Non so dove sto andando, ma man mano che la tela prende forma, mi muovo verso l'equilibrio, o verso un presunto squilibrio, che a volte è spiacevole. In questo caso, devo cambiare direzione, risalire la china, girare a destra, a sinistra, ecc. ma vado avanti cercando il significato nascosto degli eventi pittorici e di come reagiscono l'uno all'altro, di come si amano o si scontrano. A volte è molto difficile, a volte è esaltante. Sono allusioni pittoriche, note musicali colorate, "non-rappresentazioni" che vorrei fossero significative per tutti, perché vanno al di là del discorso… Nessuna analisi, solo sensazioni, come respirare il vento, sentire il calore del sole, annusare il sottobosco, toccare un pezzo di corteccia, sentire un uccello cantare. Tutte cose che non significano altro se non che si è vivi e che è magnifico. È un momento vitale, trascendente, in cui posso respirare più facilmente, in cui sono irrigato. Una forma di meditazione. Bisogna immaginare la tela bianca all'inizio. Non essendoci un soggetto, l'opera inizia con un fondo acrilico che determina movimenti, macchie e un colore di fondo. A volte mi spingo a utilizzare colori che non mi piacciono molto, come in un gioco con me stesso. Vado avanti, aggiungo, modifico, schiarisco, scurisco, rigiro, mi dimentico della tela per giorni, mesi, insoddisfatto di questo risultato provvisorio, aspettando il momento in cui dico basta, questo è finito. La prova sul muro conferma l'idea. In quel momento so che c'è l'equilibrio, la coerenza e che è in linea con la mia sensibilità del momento. Bisogna lasciarsi andare, abbandonare il regno del comprensibile per andare verso il sensoriale, l'emotivo. Nella pittura divento una persona autonoma, libera, distaccata dalla realtà, protetta dalle vicissitudini del mondo. È un'altra dimensione, una fonte di creazione, capace di contemplazione, di fertilità, con forse una dimensione metafisica, una ricerca di equilibrio e di pienezza, un'esacerbazione dei sensi. La pittura è un modo di guardare le cose. Liberarsi dal significato, essere unicamente nell'esperienza plastica, non nell'illustrazione ma nell'astratto, che è il principio stesso della creazione. Fare qualcosa che prima non esisteva. La musica della poesia a volte è più bella delle parole stesse. La semplice evocazione dell'intelligenza concettuale non è sufficiente a creare emozioni. La poesia è l'evocazione sensibile di un rapporto con il mondo, con se stessi, con gli altri, nei segreti recessi delle emozioni. La creazione, che parte dalla percezione immateriale della realtà umana, prende forma e diventa uno dei suoi elementi solidi. L'incontro tra contenuto e forma, basato sulla ricerca e sull'onestà intrinseca, è la magia della creazione. "L'artista porta in superficie l'essere di ogni presenza. L'opera finita è allora come un essere vivente. Esperienza di evidenza e mistero allo stesso tempo, l'arte trasforma l'esterno in interno. L'arte è un confine del mondo dove la parola tace e si apre alla visione interiore. Il limite dell'artista è la materia: "L'artista porta in superficie l'essere di ogni presenza; l'opera finita è allora come un essere vivente. L'unità è nell'essere vivente che tiene tutto insieme, tale è l'opera d'arte, l'opera è animata da uno spirito. Esperienza di evidenza e di mistero allo stesso tempo, l'arte trasfigura l'esterno in interno". (Jean Brun, Qu?est-ce que la beauté).